Wyjątkowy świat japońskiej animacji nieustannie zachwyca i inspiruje widzów na całym świecie swoją różnorodnością gatunków, głębią tematów i unikalnym stylem artystycznym. Wzrost popularności anime poza granicami Japonii na przestrzeni ostatnich dekad przyczynił się do głębszego zrozumienia dla tego gatunku wśród międzynarodowej publiczności. Mimo to, wiele osób nie ma pełnego zrozumienia procesu, który stoi za powstaniem tego rodzaju animacji. Proces ten jest skomplikowany, czasochłonny i wymaga różnorodnych umiejętności, które w sumie prowadzą do stworzenia niezapomnianych historii, które oglądamy na ekranie.
Niniejszy artykuł ma na celu zbadanie procesu produkcji anime od początku do końca, z naciskiem na szczegółowe przybliżenie poszczególnych etapów - od preprodukcji, przez produkcję, aż po postprodukcję. Biorąc pod uwagę wieloaspektowy charakter tego tematu, moje badania opierają się na wielu źródłach, w tym na pracach naukowych, wywiadach z osobami z branży oraz na materiałach dostępnych publicznie, które oferują perspektywę z pierwszej ręki na to, jak powstają nasze ulubione seriale i filmy anime.
Zanim zaczniemy analizować szczegółowe etapy procesu produkcji anime, powinniśmy podkreślić głęboką wartość, jaką ta forma animacji przynosi globalnej kulturze. Słowa słynnego reżysera anime, Hayao Miyazakiego, wspaniale to podsumowują:
"Wierzę w moc opowieści. Wierzę, że historie odgrywają ważną rolę w kształtowaniu ludzi, mogą stymulować, zadziwiać i inspirować swoich słuchaczy."
Anime, w swojej najczystszej formie, jest kreatywnym medium opowiadania historii - historii, które rozjaśniają nasze rozumienie rzeczywistości, prowokują do myślenia i inspirują nas do odkrywania nowych perspektyw. Zrozumienie, jak powstają te unikalne opowieści, da nam większy wgląd w to, jak te potężne narzędzia narracji wpływają na nas jako odbiorców.
 |
| Fot. Przykład kadru z oryginalnego anime fantasy / Koncept |
W niniejszym artykule, podobnie jak w produkcji anime, będziemy podążać za pewnym schematem: od pomysłu, przez planowanie, twórczość, ciężką pracę, aż do ostatecznej realizacji. Zrozumienie procesu stojącego za tym, co widzimy na ekranie, pozwoli nam docenić nie tylko końcowy produkt, ale także wysiłek, umiejętności, talent i pasję, które są wkładane w każdą sekundę animacji.
Spis treści
Rozdział I: Preprodukcja
Rozdział II: Produkcja
Rozdział III: Postprodukcja
Rozdział IV: Czasochłonność procesu produkcji anime
Rozdział V: Wyzwania i problemy w produkcji anime
Celem tego artykułu jest nie tylko ułatwienie zrozumienia, jak powstaje anime, ale także pokazanie, jak wielu ludzi jest zaangażowanych w ten proces, jak wiele decyzji musi być podjętych i jak wiele czynników wpływa na ostateczny produkt. To, co widzimy na ekranie, to tylko wierzchołek góry lodowej.
Teraz, gdy wprowadzenie mamy już za sobą, zapraszam do dalszej lektury. Bez względu na to, czy jesteś długoletnim fanem anime, czy nowym odkrywcą świata japońskiej animacji, mam nadzieję, że znajdziesz tu coś ciekawego i pouczającego.
Rozdział I: Preprodukcja
Przed przystąpieniem do tworzenia animacji, niezbędne jest przeprowadzenie szeregu prac przygotowawczych, które nazywamy preprodukcją. Preprodukcja jest etapem, który definiuje kierunek całego projektu, kształtuje jego estetykę i styl, a także określa strategię realizacji.
Preprodukcja jest fundamentem całego procesu tworzenia anime. Każde anime zaczyna się od pomysłu - konceptu, który musi być rozwinięty i zdefiniowany zanim zacznie się jakiekolwiek rysowanie czy animowanie. Bez solidnej preprodukcji, proces tworzenia anime mógłby łatwo się wykoleić, prowadząc do niejednolitego stylu, niezrozumiałego scenariusza, a w skrajnych przypadkach nawet do nieukończenia projektu.
Preprodukcja obejmuje kilka kluczowych etapów, takich jak pisanie scenariusza, kreowanie postaci, tworzenie scenorysu (ang. storyboard), a także wybór aktorów głosowych dla postaci. Każdy z tych etapów jest niezwykle ważny i wymaga znacznej ilości czasu, umiejętności i kreatywności.
W tym rozdziale omówię szczegółowo te kluczowe elementy preprodukcji i pokażę, jak bezpośrednio wpływają one na ostateczny kształt anime. Dzięki temu, będziemy w stanie zrozumieć, dlaczego preprodukcja jest tak ważna i jak wpływa na to, co ostatecznie widzimy na ekranie.
Za nami już trochę materiału, ale to dopiero początek naszej podróży w głąb procesu tworzenia anime. Przygotujcie się na wprowadzenie do świata preprodukcji anime.
Opis procesu preprodukcji i jego znaczenie
Proces preprodukcji jest etapem, który ustanawia fundamenty całego projektu anime. W skład tego procesu wchodzi szereg kluczowych elementów, które określają ostateczny kształt i jakość anime. Dla jasności, proces preprodukcji możemy podzielić na cztery główne etapy: pisanie scenariusza, kreowanie postaci, tworzenie scenorysu (ang. storyboard) i wybór głosów.
Pisanie scenariusza jest zazwyczaj punktem wyjścia. Scenarzysta lub grupa scenarzystów opracowuje historię, której będą przestrzegać animatory. Scenariusz definiuje postaci, akcje, dialogi i ogólną fabułę. Wiele z tych elementów może ewoluować w miarę postępu prac, ale podstawowy szkielet historii jest zazwyczaj ustalany na tym etapie.
Kreowanie postaci jest równie ważne. Postacie są sercem każdej historii i to one, w dużej mierze, decydują o tym, czy widzowie będą zainteresowani danym anime. W tym etapie, projektanci postaci tworzą wygląd, a także określają osobowość i styl każdej postaci, upewniając się, że będą one pasować do tonu i klimatu historii.
Storyboard jest niezwykle istotnym etapem preprodukcji, gdyż jest to wizualna reprezentacja tego, jak będzie wyglądać ostateczne anime. Storyboardy są zazwyczaj tworzone przez reżysera i zawierają szereg szkiców, które pokazują kluczowe sceny, ruchy kamery, a także czas trwania poszczególnych sekwencji.
Ostatnim, ale nie mniej ważnym etapem preprodukcji jest wybór głosów do postaci. Wybór odpowiednich aktorów głosowych jest kluczowy dla nadania postaciom życia i autentyczności. Często zdarza się, że aktorzy głosowi są angażowani już na etapie preprodukcji, aby mogli wpłynąć na rozwój swoich postaci.
Znaczenia procesu preprodukcji nie można przecenić. Bez solidnej preprodukcji, twórcy anime mogliby łatwo stracić kontrolę nad projektem, co mogłoby prowadzić do niekonsekwencji, niezrozumiałości lub, w najgorszym przypadku, niedokończenia produkcji anime. Dlatego też, preprodukcja jest uważana za jeden z najważniejszych etapów procesu tworzenia anime.
Pisanie scenariusza
Pisanie scenariusza jest podstawą każdego anime i stanowi kluczowy element procesu preprodukcji. To w tym momencie powstaje szkielet historii, który później będzie wykorzystywany przez animatorów, reżyserów i innych członków zespołu produkcyjnego. Często scenariusz jest pisany na podstawie istniejącego materiału, takiego jak manga, light novel lub gra wideo, ale może również powstać jako oryginalne dzieło.
 |
| Fot. Scenarzystka z anime / Koncept |
Scenariusz zawiera nie tylko dialogi i opisy akcji, ale również informacje o tle, atmosferze i tonie historii. Jest to narzędzie, które pomaga twórcom wizualizować, jak ostateczny produkt powinien wyglądać i jakie uczucia wzbudzać w widzach.
Scenariusz jest opracowywany przez scenarzystę lub zespół scenarzystów pod kierownictwem głównego scenarzysty, znanego w Japonii jako "Series Composition" (jap. Series Kousei). Często praca ta jest wykonywana we współpracy z reżyserem, aby mieć pewność, że wizja reżysera jest właściwie odzwierciedlona w scenariuszu.
Scenariusz jest później podzielony na poszczególne odcinki, a następnie każdy odcinek jest dalej rozbijany na sceny i sekwencje. Scenarzysta musi pisać w sposób jasny i precyzyjny, aby każdy członek zespołu produkcyjnego mógł zrozumieć jego intencje. Scenarzysta musi również uwzględniać ograniczenia produkcji, takie jak budżet i harmonogram, oraz możliwości techniczne.
Ważnym aspektem pisania scenariusza jest także umiejętność balansowania pomiędzy fabułą a rozwojem postaci. Dobrze napisany scenariusz potrafi utrzymać równowagę pomiędzy akcją, dramatem, komedią, a także emocjonalnym rozwojem postaci. Często jest to klucz do sukcesu anime i jego odbioru wśród widzów.
Tworzenie dobrego scenariusza wymaga dużej kreatywności, ale także solidnej wiedzy na temat struktury opowieści, narracji i technik pisania. Wiele z tych umiejętności scenarzysta zdobywa na przestrzeni lat pracy w branży anime.
Kreowanie postaci
Kreowanie postaci, zwane również projektowaniem postaci, jest kolejnym kluczowym etapem procesu preprodukcji anime. To w tym momencie postacie ożywają - nie tylko w kontekście ich fizycznego wyglądu, ale także osobowości, motywacji, relacji i ewolucji w trakcie serii.
 |
| Fot. Model Ai Hoshino z anime Oshi no Ko / YouTube / Doga Kobo |
W Japonii, rolę projektanta postaci (ang. Character Designer) pełni artysta, który pracuje ściśle z reżyserem i scenarzystą. Jego celem jest stworzenie postaci, które będą pasowały do tonu i stylu narracyjnego anime. Projektowanie postaci to proces iteracyjny, który często wymaga wielu rund zatwierdzeń i poprawek, aby osiągnąć ostateczny design.
Przy projektowaniu postaci twórcy muszą brać pod uwagę wiele aspektów. Od detali fizycznych takich jak wygląd, ubiór, kolor włosów, wzrost, do elementów emocjonalnych i psychologicznych jak osobowość, cechy charakteru, przeszłość postaci czy jej motywacje.
Kiedy postacie są adaptowane z istniejącego materiału, jak na przykład manga, istnieją już pewne wytyczne dotyczące ich wyglądu i osobowości. Mimo to, projektant postaci musi znaleźć sposób, aby przenieść te statyczne obrazy do dynamicznego, animowanego formatu, jednocześnie dbając o to, aby zachować istotę postaci zgodnie z oryginalnym źródłem.
 |
| Fot. Settei dla postaci Ai Hoshino z anime Oshi no Ko / YouTube / Doga Kobo |
Kreowanie postaci ma też praktyczne znaczenie dla produkcji. Projektant postaci tworzy detaliczne modele dla animatorów, znane jako "model sheets" lub "settei". Są to zestawy rysunków prezentujących postać z różnych kątów, z uwzględnieniem różnych wyrazów twarzy i pozycji ciała. Dzięki nim animatorzy mają jasne wytyczne, jak postać powinna wyglądać w różnych sytuacjach.
Storyboard
Storyboard (jap. ekonte, pol. scenorys) to kolejny istotny element procesu preprodukcji anime. Jest to wizualna reprezentacja, która pokazuje, jak poszczególne sceny i sekwencje będą wyglądać na ekranie. Z reguły każda plansza w storyboardzie odpowiada jednemu ujęciu w filmie. Umożliwia on dokładne zrozumienie i przewidzenie, jak będzie wyglądać finalny produkt, zanim rozpocznie się proces animacji.
Storyboard jest niezwykle istotny, ponieważ pomaga twórcom przekształcić słowa ze scenariusza w sekwencje wizualne, które można następnie przekazać zespołowi produkcyjnemu. Jest to swego rodzaju most między scenariuszem a produkcją, który pomaga zespołowi zrozumieć, jak powinna przebiegać akcja i jak powinny wyglądać interakcje między postaciami na ekranie.
Tworzenie storyboardu jest zazwyczaj odpowiedzialnością reżysera lub specjalnie wyznaczonego twórcy storyboardów. Proces ten wymaga nie tylko umiejętności artystycznych, ale także zrozumienia technik kinematograficznych, takich jak kadrowanie, perspektywa, ruch kamery, a także dobór i tempo scen.
 |
| Fot. Storyboardy do anime Oshi no Ko / YouTube / Doga Kobo |
Za pomocą storyboardu, reżyser ma możliwość eksperymentowania z różnymi pomysłami na ujęcia, kompozycję kadrów, czy też na tempo i rytm sceny, zanim zostaną one zrealizowane na etapie produkcji. Dzięki temu możliwe jest oszczędzenie czasu i zasobów, poprzez eliminację wielokrotnego tworzenia i modyfikowania scen w trakcie procesu animacji.
Oprócz planowania wizualnego, storyboard jest również często używany do planowania udźwiękowienia w anime. Na podstawie scenorysu twórcy mogą zdecydować, gdzie umieścić efekty dźwiękowe, muzykę czy dialogi, aby osiągnąć zamierzony efekt artystyczny.
Należy podkreślić, że storyboard w anime odgrywa znacznie większą rolę, niż to ma miejsce w wielu innych formach animacji. W anime, storyboard, znany również jako ekonte, często służy jako podstawowy dokument produkcji, z którego korzystają wszyscy członkowie zespołu - od animatorów, przez artystów odpowiedzialnych za tło, po reżyserów dźwięku.
Wybór głosów
Ostatnim, ale nie mniej ważnym elementem preprodukcji jest wybór głosów dla postaci, nazywany również castingiem głosowym. W przemyśle anime, gdzie emocje i osobowości postaci są często wyraźnie podkreślane za pomocą ich głosów, ten aspekt jest niezwykle istotny.
Podczas castingu głosowego, reżyserzy i producenci anime słuchają próbek głosów od różnych seiyuu (aktorów głosowych w Japonii), aby znaleźć te, które najlepiej pasują do postaci w ich produkcji. W przeciwieństwie do aktorstwa filmowego, gdzie wygląd i ruchy aktora są kluczowe, w aktorstwie głosowym to właśnie głos i umiejętność przekazania emocji za jego pomocą są najważniejsze.
Wybór odpowiedniego aktora głosowego może mieć ogromny wpływ na odbiór postaci przez widzów. Dobry aktor głosowy jest w stanie dodać głębi i autentyczności postaci, tworząc unikalne i pamiętne doświadczenie dla widza.
W przemyśle anime, aktorstwo głosowe jest uważane za wyjątkowo ważne. Seiyuu są często celebrytami i są dobrze znani fanom, a ich talent i charakterystyczne głosy często przyciągają fanów do konkretnych serii anime.
 |
| Fot. Seiyuu podczas pracy w studio / Koncept |
Wybór głosów nie kończy się jednak na głównych postaciach. Równie ważne jest dobranie aktorów do ról drugoplanowych i trzecioplanowych. Każda postać, niezależnie od jej kalibru, wpływa na ton i atmosferę anime, a jej głos może przyczynić się do większej immersji widza w świat przedstawiony.
Warto dodać, że proces castingu głosowego często odbywa się równolegle z innymi etapami preprodukcji. Na przykład, po napisaniu scenariusza i stworzeniu storyboardu, reżyserzy mogą już mieć pewne pomysły na to, jaki rodzaj głosu pasowałby do danej postaci. Będzie to wpływało na decyzje podjęte podczas castingu głosowego.
Podsumowując, wybór głosów to kluczowy element preprodukcji anime, który wymaga starannego przemyślenia i planowania. Od odpowiedniego doboru głosów zależy, jak postacie będą postrzegane przez widzów, co ma bezpośredni wpływ na ogólny odbiór produkcji.
Rozdział II: Produkcja
Kiedy już zakończono etap preprodukcji, studio anime przechodzi do najbardziej intensywnego i pracochłonnego etapu procesu tworzenia anime - produkcji. Produkcja, choć bywa niekiedy uznawana za serce całego procesu, jest też najbardziej złożoną i wymagającą fazą. W jej trakcie bowiem powstaje ostateczny kształt dzieła, który zostanie pokazany publiczności.
Produkcja anime obejmuje wiele różnych aspektów, od tworzenia szkiców i finalnych rysunków postaci, przez animowanie tych rysunków, po dodanie muzyki i dźwięków. Każdy z tych elementów jest kluczowy dla sukcesu końcowego produktu. W produkcji anime stosuje się różne techniki, zarówno tradycyjne, jak i nowoczesne, a każda z nich ma swoje unikalne wyzwania i zalety.
W tym rozdziale przyjrzymy się bliżej procesowi produkcji anime, badając poszczególne elementy, takie jak tworzenie klatek, animacja, koloryzacja, czy nagrywanie dźwięku i efektów specjalnych. Mimo że proces produkcji anime jest bardzo skomplikowany i wymaga ogromnej ilości pracy, wyniki mogą być niezwykle satysfakcjonujące. Właśnie podczas produkcji powstają niezapomniane sceny, które zyskują status ikonicznych, emocjonujące momenty, które zostają z widzami na długo po zakończeniu seansu, a także złożone i piękne animacje, które wykraczają poza tradycyjne granice medium.
Produkcja to etap, który nadaje anime jego unikalnego charakteru. Przez następne kilka podrozdziałów spróbujemy przyjrzeć się temu procesowi bardziej szczegółowo, by zrozumieć, jak powstaje anime.
Tworzenie klatek
Tworzenie klatek, znane również jako rysowanie, jest jednym z najważniejszych etapów produkcji anime. To właśnie w tej fazie stworzony wcześniej storyboard ożywa i zaczyna nabierać kształtów. Sama metoda tworzenia klatek polega na stworzeniu ruchu poprzez połączenie szeregu statycznych obrazów, które, kiedy są wyświetlane jeden po drugim, tworzą iluzję ruchu.
Ten proces rozpoczyna się od rysowania tzw. klatek kluczowych (ang. key frame, jap. genga). Genga to kluczowe klatki, które reprezentują ważne momenty w ruchu postaci lub obiektu. Są one punktami odniesienia dla całej sceny. Na przykład, jeśli postać ma machnąć ręką, genga może obejmować momenty, kiedy ręka jest jeszcze w dole, jest w połowie ruchu i kiedy jest na górze. Genga tworzą animatorzy pierwszego planu, zwykle doświadczeni artyści, którzy są zdolni do tworzenia wyrafinowanych i szczegółowych rysunków.
Następnie, po wykonaniu kluczowych klatek, nadchodzi czas na rysowanie tzw. klatek pośrednich (ang. in-between frames, jap. douga). Animatorzy, często nazywani "douga-manami", oczyszczają szkice genga i przenoszą je na czysty papier lub digitalizują, a następnie tworzą klatki pośrednie, które łączą kluczowe klatki, nadając ruchowi płynność. Na przykład, jeśli kluczowe klatki pokazują rękę postaci na dole i na górze, animatorzy douga dodadzą klatki, które pokazują rękę w ruchu między tymi dwoma punktami.
 |
| Fot. Przykładowa klatka kluczowa z dziewczyną z gitarą / Koncept |
Tworzenie klatek pośrednich to nie tylko proces techniczny, ale także forma artystycznego wyrazu. Każda klatka, każde ujęcie ma znaczenie. Każda linia i kształt mogą wpłynąć na odbiór widza, na to, jak widz odbierze daną scenę. Dlatego ten etap produkcji jest tak istotny i wymaga tak wiele uwagi i staranności.
Animacja
Animacja jest sercem procesu produkcji anime. To tu zarysowane wcześniej ruchy postaci ożywają i zaczynają funkcjonować w pełnej, płynnej sekwencji. W tej fazie kluczową rolę odgrywają animatorzy, którzy przekształcają statyczne obrazy w pełne życia sceny. Są to specjaliści, którzy mają nie tylko techniczne umiejętności, ale również artystyczne wyczucie, które pozwala im oddać emocje towarzyszące wybranym scenom oraz osobowość postaci.
Najważniejszym etapem jest tutaj przekształcenie kluczowych klatek i klatek pośrednich (stworzonych w poprzednim procesie) w płynny ruch. Animatorzy tworzą szczegółowy plan ukazujący, jak klatki będą się do siebie odnosić i w jaki sposób utworzą sekwencję.
Następnie, za pomocą specjalistycznego oprogramowania do animacji, kluczowe klatki i klatki pośrednie są łączone, tworząc płynny ruch. Ten proces jest najważniejszym etapem animacji. Wykorzystuje techniki interpolacji, aby stworzyć płynne przejścia między klatkami kluczowymi i pośrednimi. Animatorzy muszą precyzyjnie kontrolować prędkość przejścia między klatkami, aby uzyskać pożądany efekt płynnego ruchu.
Prędkość z jaką wyświetlane są poszczególne klatki jest bardzo ważna dla całego procesu animacji. Dzięki odpowiedniej prędkości, animatorzy mogą kontrolować tempo, jej również napięcie i emocje płynące ze sceny. Na przykład, szybko wyświetlane klatki nadają scenie dynamizmu i intensywności, podczas gdy wolno wyświetlane klatki są wykorzystywane by stworzyć napięcie lub uspokoić tempo.
Na koniec, gotowa animacja jest sprawdzana pod kątem jakości i płynności. Wszelkie błędy są korygowane, a cały proces jest powtarzany, aż animacja będzie zadowalająca. Ostatecznie, po ukończeniu procesu animacji, mamy gotową sekwencję, która jest gotowa do dalszych etapów produkcji.
Koloryzacja
Koloryzacja, w kontekście produkcji anime, to proces nadawania barw i odcieni do wcześniej przygotowanych klatek animacji. Jest to jeden z kluczowych elementów produkcji, który nadaje życie i głębię animowanym postaciom i tłu.
Podczas koloryzacji, ważne jest zachowanie spójności kolorystycznej - tzn. wszystkie elementy w danej scenie powinny być zgodne pod względem tonów i odcieni. Zadanie to nie jest proste, biorąc pod uwagę, że różne elementy mogą być kolorowane przez różne osoby.
Proces koloryzacji zaczyna się od wyboru palety barw dla danej sceny lub postaci. Zespół artystyczny decyduje o kolorach, które najlepiej pasują do klimatu, tematu i stylu anime. Wszystkie te decyzje są ściśle związane z koncepcją artystyczną anime, którą ustalono na etapie preprodukcji.
 |
| Fot. Przykład scen anime w różnych barwach / Koncept |
Następnie, zgodnie z ustaloną paletą barw, klatki są kolorowane za pomocą specjalistycznego oprogramowania. Ten proces może być bardzo czasochłonny, szczególnie w przypadku szczegółowej i skomplikowanej animacji. Dlatego też, zespół artystyczny często dzieli się na mniejsze grupy, które pracują nad różnymi częściami klatki lub sceny.
Podczas koloryzacji, ważne jest również zwrócenie uwagi na efekty światła i cienia. Dobre oświetlenie może dodać głębi i realizmu wybranej scenie, a także podkreślić nastrój i emocje. Z drugiej strony, złe oświetlenie może zepsuć efekt końcowy i zniekształcić wygląd postaci czy tła.
Na koniec, po zakończeniu koloryzacji, klatki są ponownie sprawdzane pod kątem jakości. Jeżeli wszystko jest zgodne z wytycznymi i nie ma błędów, klatki są gotowe do dalszego etapu produkcji - kompozycji.
Kompozycja
Kompozycja to etap, na którym elementy animacji są składane razem, tworząc pełne sceny. W tym procesie animowane postaci, tła, efekty specjalne, a także elementy 3D są łączone w jeden obraz.
Animatorzy korzystają z zaawansowanego oprogramowania do kompozycji, aby zintegrować różne elementy w jednym obrazie, z zachowaniem odpowiednich proporcji, perspektywy i oświetlenia. W zależności od sceny, mogą być dodane różne efekty, takie jak mgła, błyski, cienie czy efekty świetlne, aby zwiększyć realizm i nastrojowość sceny.
Podczas procesu kompozycji, animatorzy muszą zwrócić szczególną uwagę na kierunek światła, cienie oraz kolory, aby zapewnić spójność całego obrazu. Również na tym etapie animatorzy mogą wprowadzać finalne poprawki do animacji, jeśli jest to konieczne.
Kompozycja to ostatni etap w procesie tworzenia animacji, który jest kluczowy dla realizmu i efektywności wizualnej anime. Każda scena musi być starannie skomponowana, aby zapewnić płynność i spójność wizualną, niezależnie od stylu artystycznego, w jakim jest utrzymana.
Nagrywanie efektów dźwiękowych i muzyki
Po etapie kompozycji, a czasem równolegle wraz z innymi etapami, następuje istotny element procesu tworzenia anime - nagrywanie dźwięków, które zostaną później dodane podczas postprodukcji. Ten etap obejmuje nagrywanie efektów dźwiękowych i tworzenie muzyki.
Efekty dźwiękowe mają kluczowe znaczenie dla tworzenia realistycznej atmosfery w anime. Są one produkowane i nagrywane aby przekonywująco oddać dźwięki otoczenia, takie jak szum wiatru, szum morza, dźwięki ruchu ulicznego, dźwięki kroków, a także do oddania dźwięków związanych z konkretnymi akcjami postaci, takich jak uderzenia, wybuchy, krzyki itp. Reżyser dźwięku i jego zespół pracują wspólnie, korzystając z tradycyjnych technik Foley'a, jak również nowoczesnych technologii cyfrowych, aby wyprodukować i nagrać najbardziej realistyczne efekty dźwiękowe.
 |
| Fot. Nagrywanie dźwięków otoczenia / Koncept |
Muzyka to kolejny element, który jest tworzony i nagrywany w tym etapie. Kompozytorzy tworzą zarówno motywy muzyczne dla poszczególnych postaci, jak i muzykę tła, która towarzyszy różnym scenom i wydarzeniom. Muzyka jest często nagrywana z udziałem orkiestry, co dodaje anime dodatkowej głębi i dramaturgii.
Te dwa elementy dźwiękowe - efekty dźwiękowe i muzyka - są potem wykorzystywane w procesie postprodukcji i montażu, gdzie są miksowane razem z nagranymi głosami postaci, aby stworzyć końcowy krajobraz dźwiękowy anime. Końcowa kompozycja dźwięku musi być starannie zbalansowana, aby żaden element nie dominował nad innymi i aby całość tworzyła spójny, harmonijny obraz dźwiękowy świata przedstawionego w anime.
Rozdział III: Postprodukcja
Podczas gdy proces produkcji może wydawać się być końcem procesu twórczego, jest to dopiero początek dla zespołu postprodukcji. Po tym, jak ostatnia klatka została narysowana, pokolorowana i zsynchronizowana z dźwiękiem, materiał trafia do rąk zespołu postprodukcji. Praca zespołu postprodukcji jest nie mniej istotna, ponieważ to oni są odpowiedzialni za ostateczne doszlifowanie anime i zaprezentowanie publiczności.
Postprodukcja to etap, w którym wszystkie elementy, nad którymi pracowano podczas preprodukcji i produkcji, są łączone razem, by stworzyć końcowy produkt. Jest to proces, który wymaga niezwykłej precyzji i zrozumienia sztuki animacji. Zespoły postprodukcji muszą skoordynować wiele różnych elementów, w tym edycję, dźwięk, efekty specjalne i ostateczne renderowanie.
Ta faza jest szczególnie istotna, gdyż to właśnie w niej następuje finalna korekta wszelkich drobnych błędów, które mogły zostać przeoczone w trakcie produkcji. Proces ten jest niezbędny, aby upewnić się, że końcowy produkt jest jak najbardziej profesjonalny i satysfakcjonujący dla odbiorców.
W następnych sekcjach tego rozdziału przyjrzymy się dokładniej, jakie etapy obejmuje postprodukcja w kontekście produkcji anime, począwszy od montażu, poprzez finalizację udźwiękowienia, na finalnym renderingu kończąc.
Jak zobaczycie, postprodukcja to nie tylko końcowe szlify, ale również etap przygotowania anime do prezentacji szerokiej publiczności w telewizji lub kinie.
Szczegółowy opis procesu postprodukcji
Postprodukcja to etap, który zaczyna się po zakończeniu procesu animacji. Jest to czas, kiedy cała wstępna praca zostaje zebrana i połączona w jedną spójną całość. Prace te obejmują montaż, dodawanie efektów specjalnych, udźwiękowienia i finalne renderowanie, a także strategię marketingową i dystrybucję.
Postprodukcja jest niezmiernie istotna dla ostatecznego wyglądu anime. Właśnie tutaj powstaje ostateczna wersja, która trafi do odbiorców. Na tym etapie, zespół postprodukcji łączy razem wszystkie elementy stworzone w czasie preprodukcji i produkcji, aby stworzyć ostateczną wersję.
Zespoły postprodukcji są odpowiedzialne za zapewnienie, że wszystkie elementy animacji, od obrazu do dźwięku, są zsynchronizowane i harmonijne. W przypadku problemów, takich jak niespójności w animacji czy niewłaściwe użycie dźwięku, zespół postprodukcji jest odpowiedzialny za ich rozwiązanie. To właśnie dzięki osobom pracującym na tym etapie mamy gwarancję, że ostateczny produkt jest wysokiej jakości i spełnia oczekiwania widzów.
Kolejnym istotnym elementem postprodukcji jest strategia marketingowa i dystrybucja. Bez efektywnej strategii marketingowej, nawet najbardziej imponujące anime może nie dotrzeć do szerszej publiczności. Zespół odpowiedzialny za marketing musi zaplanować, jak najlepiej zaprezentować anime odbiorcom, a następnie zorganizować dystrybucję w odpowiednich kanałach, tak aby dotrzeć do jak największej liczby widzów.
 |
| Fot. Miłosna scena z niemal gotowego anime fantasy / Koncept |
Postprodukcja to nie tylko ostatni etap procesu produkcji anime, ale również moment, w którym cała praca zespołów preprodukcji i produkcji zostaje skonsolidowana i przygotowana do prezentacji odbiorcom. W następnych sekcjach przyjrzymy się bliżej poszczególnym etapom postprodukcji.
Montaż i obróbka
Po stworzeniu wszystkich elementów anime, następnym krokiem jest ich połączenie w spójną całość - proces ten nazywany jest montażem. Montaż jest kluczowym etapem, na którym materiał filmowy jest składany w odpowiedniej kolejności, zgodnie z wcześniej przygotowanym storyboardem i scenariuszem. Dobrze przeprowadzony montaż umożliwia płynne przemieszczanie się między scenami i sekwencjami, tworząc efektywne tempo i rytm historii.
Podczas etapu montażu, zespół montażu działa na wcześniej przygotowanych kompozycjach, łącząc je zgodnie ze storyboardem. Ta część procesu często wymaga precyzyjnej synchronizacji z dźwiękiem i muzyką, a także z dialogiem postaci. Czasem sceny mogą być edytowane lub ponownie układane w celu poprawienia tempa lub płynności opowieści.
Obróbka to następna faza postprodukcji, która jest często zintegrowana z montażem. Ta faza obejmuje szereg procesów technicznych mających na celu poprawę jakości obrazu i dźwięku. Mogą to być poprawki kolorów, usuwanie błędów, dodawanie efektów specjalnych, kompozycji i renderowania finalnego produktu. Proces ten często wykorzystuje technologie cyfrowe, aby stworzyć animację, która jest gotowa do emisji lub dystrybucji.
Ostatecznie, montaż i obróbka są niezbędnymi krokami w procesie postprodukcji anime. Dzięki nim, pojedyncze klatki, całe kompozycje i elementy udźwiękowienia stają się jedną, spójną całością, która opowiada historię w atrakcyjny i przemyślany sposób.
Finalizacja dźwięku, nagrywanie głosów postaci i narracji
Finalizacja dźwięku, wraz z nagrywaniem głosów postaci i narracji, jest jednym z ostatnich etapów w procesie postprodukcji anime. Ten etap koncentruje się na integracji i doszlifowaniu wszystkich elementów audio w anime.
W przeciwieństwie do wcześniejszych etapów, na których są tworzone i nagrywane efekty dźwiękowe wraz z muzyką, ten etap skupia się na dodaniu głosów postaci i narracji do już zmontowanego filmu. Proces ten rozpoczyna się od spotkania reżysera dźwięku, personelu produkcyjnego i wybranych aktorów głosowych, znanych w Japonii jako seiyuu, w specjalistycznym studiu nagraniowym.
Ciekawym aspektem tego procesu jest technika znana jako "Afureko" (ang. after-recording). Aktorzy głosowi często pracują nad specjalnie przygotowaną wersją materiału wideo, która niekoniecznie jest ostateczną wersją filmu lub odcinka serialu. Takie podejście pozwala na lepsze dopasowanie głosów do animacji, podczas gdy samo anime jest jeszcze w trakcie właściwego procesu produkcji.
Wróćmy jednak do samego procesu dubbingu, podczas którego aktorzy głosowi otrzymują scenariusz i mają możliwość obejrzenia zmontowanego wideo przed rozpoczęciem nagrywania. Scenariusz zawiera nie tylko dialogi, ale także ważne wskazówki dotyczące kontekstu emocjonalnego i intonacji, które mają na celu pomóc aktorom w prawidłowym wyrażeniu emocji postaci.
Kiedy seiyuu zaczynają nagrywać, ich główne zadanie to zwrócenie uwagi na ruch ust postaci i tempo animacji, aby ich dialogi pasowały do obrazu. Muszą dostosować tempo, ton i emocje swojego głosu, aby idealnie pasowały do animacji postaci na ekranie. To wymaga od aktorów głosowych nie tylko umiejętności aktorskich, ale także dużej precyzji i zdolności do synchronizacji.
W tym procesie kluczową rolę odgrywa reżyser dźwięku. Reżyser przewodzi sesji nagraniowej, udzielając wskazówek i kierując aktorami głosowymi. Reżyser dźwięku musi ściśle współpracować z seiyuu, aby upewnić się, że interpretacja aktorska jest zgodna z intencją scenariusza i charakterem postaci, a także że dialogi są prawidłowo zsynchronizowane z ruchem ust i ogólnym tempem animacji.
Poza nagrywaniem dialogów, finalizacja dźwięku obejmuje również miksowanie dźwięku, czyli dostosowanie poziomów audio, aby dialogi, efekty dźwiękowe i muzyka harmonijnie współgrały ze sobą. Miksowanie dźwięku jest niezbędne, aby zapewnić odpowiednią równowagę między wszystkimi elementami audio. Miksowanie dźwięku jest najczęściej realizowane przez profesjonalnego dźwiękowca, który ma do dyspozycji specjalistyczne narzędzia i oprogramowanie.
Finalizacja dźwięku może obejmować również proces masteringu. Mastering jest końcowym etapem produkcji dźwiękowej, podczas którego dokonuje się ostatecznych poprawek jakości dźwięku. Mastering pomaga zapewnić, że dźwięk będzie dobrze brzmieć na różnych urządzeniach odtwarzających - od głośników telewizora, przez słuchawki, aż po kino.
Finalizacja dźwięku, wraz z nagrywaniem głosów postaci i narracji, jest więc kluczowym elementem postprodukcji, który ma na celu zapewnienie, że dźwięk w anime jest klarowny, zrównoważony i dobrze zintegrowany z sekwencjami obrazu, tworząc spójne doświadczenie dla widza.
Sprawdzanie jakości
Po całym procesie produkcji, od preprodukcji przez produkcję aż do postprodukcji, nadchodzi czas na ostatni, ale nie mniej istotny etap - sprawdzanie jakości. Na tym etapie, całe anime jest dokładnie sprawdzane pod kątem błędów technicznych i artystycznych.
Głównym celem sprawdzania jakości jest zapewnienie, że finalny produkt jest bezbłędny i gotowy do dystrybucji. Wszystko, co zostało stworzone przez różne zespoły - od scenariusza, przez animację, aż do dźwięku - jest teraz oglądane z krytycznym okiem.
W przypadku anime, zespół kontroli jakości może sprawdzać wiele różnych aspektów. Ocenia się jakości animacji, czy kolory są poprawnie zastosowane, czy dialogi są zsynchronizowane z ruchem warg postaci, czy dźwięki i muzyka są na odpowiednich poziomach i czy nie ma żadnych niezamierzonych szumów lub zakłóceń.
 |
| Fot. Kontrola jakości / Koncept |
Sprawdzanie jakości to nie tylko poszukiwanie błędów, ale także potwierdzenie, że anime jest zgodne z wizją twórców. Wszystko, od tonu i stylu, aż do charakteru postaci i przekazu fabuły, jest analizowane, aby upewnić się, że ostateczny produkt oddaje zamierzony efekt.
Sprawdzenie jakości jest więc kluczowym krokiem w produkcji anime, zapewniającym, że widzowie na całym świecie otrzymują produkt najwyższej jakości. Bez tego procesu, nawet najbardziej ambitne i kreatywne anime mogłoby stracić na wartości z powodu niewielkich, ale rażących błędów. Dlatego też, sprawdzenie jakości jest nieodłącznym elementem procesu postprodukcji.
Rozdział IV: Czasochłonność procesu produkcji anime
Produkcja anime, podobnie jak produkcja dowolnego innego rodzaju filmu czy serialu animowanego, to złożony proces, który wymaga czasu. Ile dokładnie? To zależy od wielu czynników, takich jak zakres projektu, ilość odcinków, stopień detali w animacji, i wiele innych. Niemniej jednak, prawda jest taka, że produkcja anime jest niezwykle czasochłonna.
Preprodukcja może trwać od kilku miesięcy do nawet dwóch lub trzech lat, w zależności od skomplikowania projektu. Przygotowanie oryginalnego scenariusza, kreowanie postaci, tworzenie storyboardów, casting aktorów głosowych - każdy z tych etapów wymaga starannego planowania i realizacji, aby stworzyć solidne fundamenty dla przyszłego anime.
Główny etap produkcji, który obejmuje tworzenie klatek, animację, koloryzację i nagrywanie dźwięków, to często najbardziej czasochłonna część procesu. Tutaj, pracę nad jednym odcinkiem serialu można liczyć w tygodniach, a czasem nawet miesiącach. Szczególnie, gdy stawiamy na wysoki poziom detali i płynności animacji.
Produkcja filmu anime, która obejmuje tworzenie klatek, animację, koloryzację i dodanie dźwięków, może zająć około jednego roku, a w niektórych przypadkach nawet dłużej. Szczególnie gdy mówimy o bardziej złożonych filmach anime, które wymagają więcej czasu i detali. Hayao Miyazaki, legenda przemysłu anime i twórca Studio Ghibli, zasłynął z tego, że często tworzył swoje filmy przez kilka lat, koncentrując się na każdym detalu i dbając o najwyższą jakość.
Na koniec, postprodukcja, która obejmuje montaż, finalizację dźwięku i sprawdzanie jakości, może zająć dodatkowe kilka tygodni. Ponownie, jest to proces, który wymaga dużej precyzji i skrupulatności, aby zapewnić, że finalny produkt jest jak najwyższej jakości.
Produkcja pełnosezonowego anime, składającego się z 12. odcinków, może trwać od sześciu miesięcy do około roku, w skrajnych przypadkach jest to okres nawet dwóch lat. Oczywiście, jest to tylko szacunkowy czas - rzeczywistość może być różna i zależy od wielu czynników. W każdym razie, zazwyczaj o produkcji nowego anime słyszymy na około rok lub dwa lata przed emisją pierwszego odcinka.
Nieoceniona rola koordynatora produkcji w procesie tworzenia anime
Nad całym procesem produkcji anime czuwa osoba zatrudniona na stanowisku Seisaku Shinkou, nazywana koordynatorem produkcji, kierownikiem produkcji, a czasem asystentem produkcji. Praca tej osoby jest niewidoczna dla widza, ale jest niezwykle istotna dla realizacji każdej produkcji.
Koordynator produkcji, czyli Seisaku Shinkou, jest prawdziwym spoiwem całego procesu produkcji. To osoba odpowiedzialna za harmonogramowanie, budżetowanie i koordynację między różnymi działami. Bez efektywnej pracy Seisaku Shinkou, cały proces tworzenia anime mógłby stać się chaotyczny i niewydolny.
Zazwyczaj koordynator produkcji jest jednym z pierwszych członków zespołu, który zostaje zaangażowany do nowego projektu. Ma on duży wpływ na wszystkie aspekty produkcji, od początkowego etapu planowania, przez koordynację animatorów, po ostateczne etapy postprodukcji. Praca ta wymaga dużej wiedzy technicznej, zdolności do zarządzania zespołem oraz doskonałych umiejętności organizacyjnych.
Wielu koordynatorów produkcji pracuje na pełny etat, ale niektórzy mogą pracować jako niezależni kontraktorzy dla różnych studiów. Bez względu na to, w jaki sposób są zatrudnieni, ich praca jest integralną częścią procesu produkcji anime i jest niezbędna do osiągnięcia ostatecznego produktu.
W praktyce, Seisaku Shinkou może często zajmować się rozwiązywaniem problemów, zarówno tych przewidywalnych, jak i tych zupełnie nieoczekiwanych. Mogą to być kwestie techniczne, problemy z harmonogramem, kwestie związane z budżetem lub nawet zmiany kierunku artystycznego. Każdy dzień pracy to nowe wyzwanie, ale to właśnie to czyni pracę Seisaku Shinkou tak kluczową i satysfakcjonującą. Pracę tej osoby możecie podejrzeć między innymi w komediowym anime "Animation Seisaku Shinkou Kuromi-chan" oraz serii "Shirobako".
 |
| Fot. Harmonogram produkcji anime w 9 miesięcy / Kadr z anime Shirobako / P.A. Works |
Porównanie czasu produkcji różnych rodzajów anime
Różne rodzaje anime mają różne wymagania czasowe w zależności od skomplikowania stylu artystycznego, technologii w jakiej jest wykonywana animacja, liczby odcinków i dostępnych zasobów. Niektóre serie, takie jak krótkometrażowe filmy animowane, mogą być tworzone przez niewielki zespół w ciągu kilku tygodni lub miesięcy, podczas gdy produkcja serialu składającego się z 24 odcinków będzie trwać od roku do nawet trzech lat.
- Serie telewizyjne: Standardowy sezon telewizyjny anime składa się zazwyczaj z 12 do 24 odcinków, a każdy odcinek trwa około 20 do 25 minut. Produkcja jednego sezonu składającego się z 12. odcinków w większości przypadków trwa od sześciu miesięcy do roku, choć to może się różnić w zależności od harmonogramu produkcji, studia, zasobów i jakości oczekiwanej od anime. Niektóre większe serie, takie jak "One Piece" lub "Crayon Shin-chan", są produkowane na bieżąco przez wiele lat, z nowymi odcinkami wydawanymi co tydzień. Nie oznacza to jednak, że odcinek powstaje w tydzień.
Produkcja jednego odcinka może zająć wiele tygodni, a nawet miesięcy. W przypadku tych długotrwałych serii, wiele różnych odcinków jest produkowanych jednocześnie. Odcinki znajdują się na różnych etapach produkcji, aby móc dostarczyć nowy odcinek na antenę każdego tygodnia. Jest to olbrzymie wyzwanie logistyczne i wymaga skoordynowania dużej ilości zasobów i talentów, zarówno na poziomie twórczym, jak i technicznym. - Filmy kinowe: Produkcja pełnometrażowego filmu anime jest znacznie bardziej złożona i czasochłonna. Może to zająć od jednego roku do kilku lat, w zależności od skomplikowania animacji, długości filmu i liczby zasobów przeznaczonych na produkcję. Filmy kinowe często mają wyższy poziom szczegółowości i jakości animacji, co oznacza, że wymagają więcej czasu i pracy. Przykładowo, film "Suzume" reżysera Makoto Shinkaia, znajdował się w produkcji przez niemal trzy lata. Prace nad filmem zaczęły się na początku 2020 roku, a zakończyły w październiku 2022.
- OVA (Original Video Animation): OVA to specjalne odcinki anime, które są zazwyczaj wydawane bezpośrednio na DVD lub Blu-ray, zamiast trafić do emisji w telewizji. OVA często mają większy budżet na odcinek niż standardowe serie telewizyjne, co oznacza, że mogą mieć wyższą jakość animacji. Czas produkcji dla OVA może się znacznie różnić, ale zazwyczaj jest krótszy niż dla filmów kinowych, choć dłuższy niż dla standardowych odcinków telewizyjnych. W większości przypadków produkcja jednego odcinka OVA trwa około pół roku.
W każdym przypadku istotne jest zrozumienie, że czas potrzebny na produkcję anime może się znacznie różnić w zależności od wielu czynników, w tym skomplikowania animacji, wielkości zespołu produkcyjnego, zasobów finansowych i harmonogramu produkcji. Każda produkcja anime jest unikalna i ma swoje własne wyzwania i wymagania czasowe.
Jak zmiany w harmonogramie wpływają na proces produkcji?
Zmiany w harmonogramie mogą znacząco oddziaływać na proces produkcji anime, wpływając na jego jakość, terminy i koszty. Zarządzanie harmonogramem produkcji jest kluczowe dla utrzymania płynności procesu i uniknięcia opóźnień czy nieprzewidzianych problemów. Oto kilka sposobów, w jaki zmiany harmonogramu mogą wpłynąć na proces produkcji:
- Opóźnienia w produkcji: Zmiany w harmonogramie, takie jak opóźnienia w dostawie rysunków, problemy techniczne lub zmian w scenariuszu, mogą opóźnić cały proces produkcji. Opóźnienia te mogą powodować napięcia i stres wśród członków zespołu produkcyjnego, co może wpłynąć na ich efektywność i jakość pracy.
- Spadek jakości: Gdy harmonogram produkcji jest napięty, a zasoby są ograniczone, studia mogą być zmuszone do kompromisów w zakresie jakości, aby dotrzymać terminów. Może to oznaczać mniej detali w animacji i używanie "oszczędnych" technik animacji, takich jak panning czy powtarzanie klatek. Czym jest panning w anime? Z techniką tą mamy do czynienia, gdy kamera obraca się wokół swojej osi, tworząc efekt przesuwającego się obrazu. W anime technika ta jest używana do tworzenia efektu ruchu, kiedy postacie lub tło są statyczne. Dzięki temu czas trwania pojedynczej klucziowej klatki może zostać rozciągnięty na wiele sekund.
- Zmiany w zespole: Niektóre zmiany harmonogramu mogą wymagać reorganizacji zespołu produkcyjnego. Na przykład, jeśli termin wydania anime został przyśpieszony, studio może potrzebować więcej animatorów, aby sprostać wyzwaniu. Z drugiej strony, jeśli produkcja jest opóźniona, zespół może zostać zmniejszony, zaś wybrane osoby przesunięte do innych projektów.
- Wpływ na budżet: Zmiany harmonogramu mogą również wpłynąć na budżet produkcji. Opóźnienia zwiększają koszty pracy, tak samo jak próba przyśpieszenia harmonogramu. W drugim przypadku studio może być zmuszone do zaplanowania ponadprogramowych wydatków na zasoby, takie jak dodatkowy personel lub sprzęt.
- Wpływ na widzów: Wreszcie, zmiany w harmonogramie mogą wpłynąć na odbiór anime przez widzów. Opóźnienia w wydaniu odcinków są powodem frustracji fanów, podczas gdy spadek jakości może wpłynąć na reputację studia.
Nawet pomimo najlepszych planów, produkcja anime jest skomplikowanym procesem, podatnym na nieprzewidziane zmiany harmonogramu. Efektywne zarządzanie tymi zmianami jest kluczem do utrzymania jakości i terminowości produkcji.
Liczba rysunków potrzebna do stworzenia jednego odcinka anime
Produkcja jednego odcinka anime jest nie lada wyzwaniem, ze względu na liczbę rysunków potrzebną do osiągnięcia płynności i realizmu ruchu. Ilość ta zależy od stylu animacji, gatunku, oraz jakości do jakiej dąży producent. Podstawowe założenie w animacji jest takie, że 24 rysunki (klatki) tworzą jedną sekundę filmu. Niemniej jednak, w praktyce, większość anime korzysta z techniki zwanej "na dwie" lub "na trzy", co oznacza, że jeden rysunek jest wykorzystywany przez dwie lub trzy klatki.
Japońska "Nico Nico Pedia" podaje, że klasyczne japońskie animacje tworzone są zwykle w ośmiu klatkach na sekundę, a więc wspomnianą wcześniej metodą "na trzy". W tej metodzie każda klatka kluczowa lub klatka pośrednia rozciągnięta jest na trzy klatki animacji. Zatem dzięki ośmiu rysunkom możemy przygotować scenę trwającą jedną sekundę.
Należy jednak pamiętać, że nie wszystkie sceny są animowane w ten sposób. W przypadku dynamicznych sekwencji, takich jak sceny walki lub pościgów, często wykorzystuje się pełne 24 klatki na sekundę, aby uzyskać płynność ruchów i intensywność akcji.
Przykładem takiej dynamicznej sceny jest sekwencja znana jako "Legendarne 5 sekund" z filmu "Macross Plus: Movie Edition". W tej niezwykle intensywnej scenie walki, użyto aż 116 różnych klatek w ciągu zaledwie pięciu sekund, co praktycznie odpowiada standardowi zachodniej animacji. Podczas tej sceny, YF-21 unika 29 pocisków wystrzelonych przez Ghost X-9 w ciągu około pięciu sekund, co jest nazywane "legendarnymi 5 sekundami". Mimo szybkości, zastosowanie tak dużej ilości klatek pozwoliło na wyjątkowo szczegółowe i płynne przedstawienie ruchu, czyniąc te pięć sekund legendarnymi w świecie animacji japońskiej.
Z drugiej strony, mniej dynamiczne sceny, na przykład te skupione na dialogu, mogą korzystać z oszczędniejszych metod animacji, gdzie jedna klatka może być rozciągnięta nawet na kilka sekund - przykładem takiej oszczędnej sceny jest klatka ukazująca głównego bohatera rozmyślającego o czymś. Odrobinę dynamizmu takiej scenie możemy nadać poprzez sam ruch kamery.
Zatem jakiej liczby rysunków (klatek kluczowych i pośrednich) potrzeba do stworzenia jednego odcinka anime, trwającego około 20-25 minut? Aby odpowiedzieć na to pytanie, musimy się przyjrzeć wypowiedziom osób pracujących w branży anime.
Ayane Nakamura, pracująca nad klatkami pośrednimi w "Vinland Saga" i "Boruto: Naruto Next Generations", w rozmowie z serwisem Asian Boss (wywiad z października 2019 roku) zaznaczyła, że przeważająca większość, około 70%, współczesnych anime nadal opiera się na tradycyjnej technice rysowania ręcznego. Wspomniała także, że coraz więcej osób wykorzystuje technikę komputerową, w tym tablety graficzne – ona sama również zalicza się do tej grupy.
Ayane Nakamura, mówiąc o pracy nad anime, zaznaczyła, że typowy odcinek składa się z około 3000 klatek. Jednocześnie zwróciła uwagę na to, że dla wyjątkowych produkcji, takich jak "Attack on Titan", liczba klatek na odcinek może sięgnąć nawet od 5000 do 10000.
Yasuo Muroi, doświadczony animator i reżyser, którego portfolio obejmuje projekty takie jak "Rebuild of Evangelion", "Silver Spoon", "Dennou Coil" i "Naruto", teraz udziela wiedzy jako nauczyciel w prywatnej szkole anime, której jest założycielem. W artykule opublikowanym na stronie Toyo Keizai w listopadzie 2020 roku, Muroi podzielił się pewnymi szczegółami związanymi z produkcją anime:
"Średnia liczba rysunków, które potrzebne są do stworzenia jednego 30-minutowego odcinka anime, oscyluje między 3000 a 5000. Dla anime z jednym cour, czyli składającego się z 12-13 odcinków, czas produkcji jednego odcinka wynosi średnio około 3 miesiące. Przy tworzeniu filmu anime liczba arkuszy przekracza 10 000, a harmonogram produkcji często obejmuje cały rok."
Podsumowując, liczba rysunków potrzebnych do stworzenia jednego odcinka anime zależy od wielu czynników, takich jak styl animacji, gatunek, jakość, jak również ograniczenia czasowe i budżetowe. Jedno jest pewne - niezależnie od tych czynników, produkcja anime to złożony proces, który wymaga ogromnej ilości pracy.
Rozdział V: Wyzwania i problemy w produkcji anime
Produkcja anime, pomimo swojego wspaniałego końcowego rezultatu, nie jest pozbawiona wyzwań. Każda produkcja, niezależnie od skali, napotyka na swojej drodze wiele przeciwności losu, zarówno przewidywalnych, jak i nieoczekiwanych.
- Ograniczenia czasowe i terminy: Jednym z największych wyzwań, z którymi borykają się twórcy anime, są ścisłe terminy. Zgodnie z tradycją, nowe odcinki anime są emitowane tygodniowo, co oznacza, że zespoły produkcji muszą pracować w intensywnym tempie, aby dostarczyć wysokiej jakości odcinki na czas. Często prowadzi to do nadgodzin i stresujących warunków pracy.
- Budżet: Budżet jest kolejnym kluczowym wyzwaniem. Zależnie od skomplikowania scenariusza, specyfiki animacji i poziomu szczegółowości, koszty produkcji anime mogą być ogromne - o czym więcej przeczytacie w artykule "Ile kosztuje produkcja anime? Przemysł animacji w liczbach". Często twórcy muszą zrównoważyć swoje artystyczne wizje z realiami finansowymi, co może prowadzić do kompromisów.
Produkcja anime może być kosztowna, a ograniczenia budżetowe często wpływają na jakość końcową. Niski budżet może zmusić producentów do oszczędności na liczbie klatek animacji, jakości tła, a nawet na zasobach ludzkich, co prowadzi do niższej jakości produkcji. - Kwestia zasobów ludzkich: W produkcji anime zaangażowanych jest wiele osób - od scenarzystów, przez animatorów, po dźwiękowców i aktorów podkładających głosy. Koordynowanie tak dużego zespołu może być trudne, a każde opóźnienie lub niewielki problem może mieć wpływ na cały proces produkcyjny.
Praca nadgodzinowa i warunki pracy: Związane z terminami nadgodziny są powszechne w branży anime. Zmęczenie i stres mogą wpływać na zdrowie pracowników, a także na jakość ich pracy. Nadmierne godziny pracy mogą prowadzić do wypalenia zawodowego u pracowników, co może wpływać na jakość ich pracy. Może to skutkować niekonsekwencjami w rysunkach, słabszą jakością animacji lub błędami w produkcji. - Ograniczenia technologiczne: Technologia animacji ciągle się rozwija, ale nie zawsze jest łatwo dostępna lub przystępna finansowo dla wszystkich studiów. Wdrożenie nowych technologii może być kosztowne i wymagać szkolenia personelu, co dodatkowo komplikuje proces produkcji.
Jeżeli studio nie jest na bieżąco z najnowszymi technologiami, może to wpływać na jego zdolność do konkurowania na rynku. Odbija się to na jakości wizualnej, efektach specjalnych lub nawet na sprawności samego procesu produkcji. - Balansowanie pomiędzy twórczością a komercją: Anime jest formą sztuki, ale również produktem, który musi być sprzedawany. Twórcy muszą zatem zrównoważyć swoje twórcze ambicje z oczekiwaniami rynku, co często prowadzi do trudnych decyzji.
Gdy producenci muszą zrównoważyć swoje artystyczne wizje z komercyjnymi wymaganiami, może to prowadzić do kompromisów w treści. Może to obejmować zmiany w fabule, postaciach lub stylu artystycznym, aby lepiej pasować do trendów rynkowych lub docelowej demografii. - Piractwo: Nielegalne udostępnianie anime online może znacznie zmniejszyć dochody producentów. Może to wpływać na ich zdolność do inwestowania w przyszłe projekty, co ostatecznie wpływa na jakość i różnorodność dostępnych anime.
Mimo tych wyzwań, twórcy anime nadal dają radę w dostarczaniu oryginalnych, porywających historii, które zapadają w pamięć widzów na całym świecie. Dzięki niezłomnej determinacji i kreatywności, anime nadal rozkwita.
Podsumowanie
Podsumowując, produkcja anime to skomplikowany proces, który wymaga koordynacji wielu zróżnicowanych elementów - od koncepcji, poprzez tworzenie scenariusza, rysowanie, animację, dźwięk, aż po postprodukcję. Każdy etap ma swoje unikalne wyzwania i wymaga specyficznych umiejętności od członków zespołu produkcyjnego.
Ważne jest zrozumienie, że liczba rysunków potrzebnych do stworzenia jednego odcinka anime jest ogromna i zazwyczaj oscyluje w granicach 3000-5000 sztuk, natomiast zasoby czasowe, ludzkie i finansowe mogą wpływać na ostateczną jakość produktu. Produkcja anime jest również obarczona wieloma wyzwaniami, w tym ograniczeniami budżetowymi, presją terminów, warunkami pracy, technologią, presją komercyjną i piractwem.
Zrozumienie procesu produkcji anime jest istotne nie tylko dla osób zainteresowanych branżą, ale również dla widzów. Pozwala to na lepsze zrozumienie, dlaczego niektóre anime wydają się lepsze od innych, oraz na docenienie wysiłku, który został włożony w tworzenie tych dzieł.
Mam nadzieję, że ten artykuł pomógł wam poznać sekrety produkcji anime. Jeżeli macie jakieś dodatkowe pytania, informacje lub doświadczenia związane z tym tematem, którymi chcielibyście się podzielić, proszę o zostawienie komentarza poniżej. Dzięki za czytanie i dotrwanie do końca!
Źródła i odnośniki (rozwiń)
1. Jak przebiega produkcja anime? Dokładne wyjaśnienie procesu, etapów i harmonogramu: https://tsuta-world.com/lp/vau/animation-production-flow/.
2. Jak powstaje anime: https://www.tohogakuen.ac.jp/enta/anime/
3. Jak przebiega produkcja animacji? Wyjaśnienie procedur, procesów i terminologii: https://gjc.me/blog/anime/
4. Legendarne 5 sekund, artykuł na Nico Nico Pedia: https://dic.nicovideo.jp/a/%E4%BC%9D%E8%AA%AC%E3%81%AE5%E7%A7%92
5. Yasuo Muroi, artykuł "Jedyny sposób, by stać się dobrym rysownikiem anime": https://toyokeizai.net/articles/-/384527
6. Wywiad serwisu Asian Boss z Ayane Nakamurą, "Słabo opłacani i przepracowani: Bycie animatorem w Japonii": https://www.youtube.com/watch?v=Tvj-XnVKQI8
7. Słownik pojęć związanych z produkcją anime: https://animatorswiki.blitedesu.net/Glossary
8. Za kulisami Oshi no Ko Ep1: Preprodukcja: https://www.youtube.com/watch?v=kkwq8R8ag7k
9. Za kulisami Oshi no Ko Ep2: Produkcja: https://www.youtube.com/watch?v=oyqlFQFIrnQ
KOMENTARZE